Où ?

Au MK2 Quai de Seine

Quand ?

Dimanche soir, à 22h

Avec qui ?

Seul

Et alors ?

Caprice ne se contente pas de se dérouler dans le 7è arrondissement de Paris, le plus bourgeois de la capitale, il est également investi par son esprit. Comme les résidents de ce quartier, Emmanuel Mouret et son film se montrent pétris de bonnes manières, tout ce qu’il y a de plus sages et polis. Un rêve pour le voisinage, mais un cauchemar pour les velléités de cinéma. En effet la politesse s’accorde malheureusement très mal avec la comédie, laquelle a besoin d’étincelles, de folie, de dérapages pour s’embraser et exister. De fait, les quelques bonnes idées burlesques affleurant à la surface du marivaudage sentimental narré dans Caprice sont inévitablement avortées avant de pouvoir pleinement s’exprimer. On a à peine le temps de commencer à sourire d’une facétie de dialogue, de cadrage ou de montage que la parenthèse se referme – pas question de dépasser les bornes, ni de perdre sa contenance. Les maîtres du burlesque « aristocratique », Lubitsch en tête, ne se privaient pourtant pas de provoquer des scandales, de commettre des choses « qui ne se font pas ».

Dans une telle atmosphère de pince-fesses (comme le film nous en impose plusieurs) le drame pourrait mieux se déployer, car la tragédie consiste souvent en cela finalement : un vernis de perfection qui craque, un cadre stable qui se brise. Mais le drame en puissance est lui aussi sans cesse muselé dès qu’il se présente, surtout dans le dernier acte où tout pourrait véritablement tourner à l’aigre, dès lors que l’interrogation lancinante « suis-je véritablement avec la bonne personne ? » se fait plus insistante dans l’esprit des protagonistes. Mais non, ces derniers ne haussent jamais la voix, restent sans cesse maîtres d’eux-mêmes, et s’arrangent pour préserver leur confort, leur situation. La question de ce qui fait et défait les couples – le hasard et les choix, le cœur et la raison – n’est jamais traitée que superficiellement. Tel qu’il est mené, Caprice a quelque chose du manuel de savoir-vivre à l’usage des gens de la bonne société, pour être sûrs de ne pas perdre leurs acquis. Cinématographiquement, cela le rend « monotone, sage, plat, ennuyeux » ; ces mots, Mouret les emploie lui-même à propos d’un manuscrit écrit par le personnage qu’il interprète. Je les trouve tellement de circonstance pour parler de son film, comme une mise en abyme, que je les lui emprunte.

Il reste un qualificatif à ajouter à cette liste, c’est celui de film de vieux, bien que les personnages aient à peine la quarantaine. Cela ne les empêche pas d’abhorrer les jeunes (c’est-à-dire la tranche d’âge ayant juste dix, quinze ans de moins qu’eux), qui leur rappellent au mauvais souvenir de quand eux-mêmes galéraient, avec un logement minuscule et pas de situation établie, alors que maintenant ils sont riches, intégrés, confortablement installés dans le 7è arrondissement ; et qui suscitent une tentation sexuelle à même de vous faire tout perdre. Notez que ces jeunes, les gens du 7è sont tout de même bien contents de les trouver pour faire leurs courses quand la domestique démissionne du jour au lendemain, ou pour réécrire clandestinement un manuscrit minable et en faire une pièce de théâtre à succès. Leur utilité n’est pas remise en cause, mais ce serait mieux s’ils savaient se tenir à la place utilitaire qui est la leur, et ne pas attendre que l’on s’intéresse sérieusement à leurs états d’âme ou à leurs aspirations.

Où ?

Au ciné-cité les Halles, et à la maison en DVD édité par Shellac (sorti le 2 décembre 2014) et obtenu via Cinetrafic dans le cadre de leur opération « DVDtrafic »

Quand ?

Samedi soir

Avec qui ?

MaBinôme

Et alors ?

Le hasard du calendrier avait fait qu’Amer, le premier long-métrage du duo Cattet-Forzani, était sorti en même temps qu’un autre tout aussi expérimental et radical, Le guerrier silencieux de Nicolas Winding Refn, et mon texte d’alors traitait donc conjointement des deux œuvres. Avec leurs derniers films en date les trois cinéastes continuent à aller de conserve, L’étrange couleur des larmes de ton corps prolongeant et perfectionnant l’inégal Amer de la même façon que Only God forgives prolonge et perfectionne le moyen Guerrier silencieux. En conséquence, cette critique de la deuxième création hallucinée de Cattet et Forzani pourrait tout à fait repartir de ce que j’écrivais au sujet d’Amer : « Il n’est question que de très gros plans fractionnant les corps en morceaux, de décors malveillants, de filtres colorés et de sons indéfinissables trahissant une perception défectueuse ».

L’étrange couleur des larmes de ton corps, c’est donc la même chose mais en mieux, comme le clamerait une publicité pour de la lessive ou un smartphone. Voilà une très bonne nouvelle, qui signifie que le duo de réalisateurs n’a eu à remettre en cause ni ses visées artistiques ni ses visions folles pour se bonifier. Au contraire, c’est dans le rejet de toute forme de justification ou d’explication à leurs gestes qu’ils s’épanouissent pleinement. Face à un tribunal, cela les condamnerait à se voir taxer d’irresponsabilité, de démence. Sentences qui sur un écran de cinéma deviennent des promesses de se perdre dans une autre réalité, faite de ténèbres aussi excitantes qu’angoissantes. La débâcle de l’emprise de la rationalité sur ce monde est attestée par la mise au rebut de l’ensemble des questions rituelles de compréhension – qui, quoi, où, quand, comment, pourquoi. Chercher à appliquer cette grille d’analyse au cas présent aurait le même effet que de se débattre dans des sables mouvants, à savoir rendre inévitable l’issue fatale.

Cattet et Forzani réinventent pour L’étrange couleur… tout ce qui se situe en amont de la création d’un film ; l’ensemble de fondations et de règles auxquelles on ne touche normalement pas. Eux conçoivent un cadre neuf, et à l’intérieur de celui-ci une constitution nouvelle. Notre porte d’entrée est la même que celle par laquelle le personnage principal pénètre dans le récit : l’immeuble Art Nouveau où se trouve son appartement, dont a disparu son épouse. Cet immeuble constitue un décor si extravagant en soi, de son architecture à ses finitions, sculptées ou peintes, qu’il agit comme une invitation à y cultiver aberrations baroques et fantasmes virulents. Le fantasme, voilà le passe-partout secret qui ouvre toutes les portes de l’édifice échafaudé par les deux cinéastes. Ils convoquent leurs fantasmes de cinéma, de Lynch – une séquence de cauchemar par visiophone interposé empruntée à Lost highway et réitérée jusqu’au vertige – à un autre duo, celui formé par Buñuel et Dali pour Un chien andalou.

Là ce sont les inoubliables motifs de l’œil et du rasoir qui sont repris, démultipliés sans fin, rendus omniprésents. Ils sont l’alpha et l’oméga de ce monde parallèle, explicitant le rattachement direct, et d’une grande cohérence, de L’étrange couleur… au début du XXe siècle. Dans un écrin Art Nouveau, le surréalisme nourrit les fantasmes de cinéma de Cattet et Forzani, tandis que leur intrigue sonde les fantasmes humains, de nature éminemment sexuelle, à l’instar de la psychanalyse formée elle aussi dans ces années 1900. Animé par des inspirations plastiques et sonores toujours éblouissantes et renversantes, le mouvement du film nous emmène naturellement, comme le courant d’une rivière, vers le subconscient où ces fantasmes sont enfouis ; un subconscient figuré de très belle manière par une « chambre blanche » d’où toute réalité consciente s’est, à juste titre, estompée. Après quoi, la touche finale apportée par l’ingénieux changement de titre nous laisse sur le pas d’une autre porte, entrouverte juste avant que les lumières ne se rallument : celle du subconscient que L’étrange couleur des larmes de ton corps pourrait bien posséder lui-même.

Aussi stylisés et hypnotiques que le film, le DVD et le Blu-Ray de L’étrange couleur des larmes de ton corps proposent comme suppléments quatre modules courts très réussis. Trois critiques de cinéma remontent le fil des influences nombreuses qui ont nourri le film de Cattet & Forzani, en suivant trois pistes différentes : l’Art Nouveau franco-belge, le giallo italien, et les formes diverses de transgressions physiques et graphiques inventées par les artistes japonais, au cinéma, dans le manga, en animation. Les trois exposés sont très instructifs, et jamais bourratifs. Le dernier bonus est le premier court-métrage du duo Cattet-Forzani, Catharsis ; fauché et fugace (trois minutes à peine) mais encapsulant déjà toutes leurs obsessions formelles et organiques, et déclenchant chez le spectateur le même malaise furieux et néanmoins ensorcelant. Rarement un film aussi court a eu un effet aussi puissant.

Découvrez d’autres films sur Cinetrafic dans des catégories aussi diverses et variées que Plus d’actions récentes ici ainsi que les meilleurs thrillers sur Cinetrafic

Où ?

Au Festival Cinéma du Réel

Quand ?

Il y a un an, en mars 2014

Avec qui ?

MaBinôme

Et alors ?

…mon avis est à lire ici :

http://www.accreds.fr/2014/03/29/sangre-de-mi-sangre-ou-les-bouchers-bienheureux.html

Où ?

Au Festival Cinéma du Réel

Quand ?

Il y a un an, en mars 2014

Avec qui ?

MaBinôme

Et alors ?

…mon avis est à lire ici :

http://www.accreds.fr/2014/04/01/trois-cents-hommes-sur-un-radeau-de-la-meduse.html

Où ?

Au ciné-cité les Halles

Quand ?

Jeudi soir, à 22h30

Avec qui ?

Seul

Et alors ?

…mon avis est à lire ici :

http://www.accreds.fr/2015/01/24/discount-they-were-expendables.html

Où ?

À l’UGC Paris 19

Quand ?

Dimanche après-midi, en avant-première (le film sort en salles le 26 novembre)

Avec qui ?

MaBinôme, et MonFils

Et alors ?

Après deux aventures catastrophiques (Astérix aux jeux olympiques, puis au service secret de sa majesté), voir le guerrier gaulois sur un écran de cinéma nous réjouit enfin à nouveau, douze ans après Mission Cléopâtre. De manière amusante, comme pour ce dernier film le salut d’Astérix vient de transfuges d’empires : la télévision – Alexandre Astier au scénario et à la « co-réalisation », après le tandem Chabat-Debbouze de Mission Cléopâtre – et Pixar. Car Louis Clichy, le véritable réalisateur de ce nouvel Astérix animé, n’a peut-être pas un nom ronflant mais il a œuvré chez le géant américain, sur Wall-E et Là-haut. Sur le papier, la paire Astier-Clichy paraît dès lors être une association infaillible ; le premier faisant des étincelles dans l’écriture comique, le second transmettant l’énergie de ce matériau de base dans le résultat final par la fluidité et la tenue de sa mise en scène.

Restait à le confirmer dans les faits, ce que cette visite au Domaine des dieux accomplit de bout en bout. Le film est une réussite avérée, bien que – et parce que – restant humble. Par sa durée (1h20), son choix d’album à adapter (dont l’action reste essentiellement cantonnée à la forêt entourant le village des gaulois), sa sobriété dans l’adaptation (à l’opposé des tendances m’as-tu-vu de ses prédécesseurs), Le Domaine des dieux affiche sans honte son objectif principal, à savoir faire le boulot en matière de divertissement. On raconte une histoire aux enjeux clairs et forts – et aux thèmes toujours pleinement d’actualité 43 ans après la parution de la BD, chapeau René Goscinny –, on l’agrémente de plaisirs comiques et/ou d’action qui ne font pas perdre de vue l’essentiel mais en rehaussent le goût, et on met à profit les moyens propres au cinéma (voix-off proscrite, beau maniement du montage comme accélérateur de rythme dans la première moitié, et déclencheur de surprises dans la seconde) pour donner à l’ensemble la forme la plus emballante qui soit.

Ainsi Clichy et Astier s’affirment comme des maîtres d’œuvre avisés. Ils traitent l’ancien – la BD d’origine – avec le respect qu’il se doit, et ce qu’ils lui adjoignent de neuf ne jure pas dans le ton et la qualité. La conversion de la 2D à la 3D en est la preuve visuelle, et derrière cette façade les modifications de fond sont du même standing. Le développement d’un personnage d’enfant (le romain Apeljus, fils de Petiminus), à côté de la reprise des savoureux délires de Goscinny sur les négociations syndicales dans l’armée romaine ou les évolutions de carrière des esclaves, permet au film d’élargir son public de 7 à 77 ans, et même un peu plus à chaque extrémité. La façon dont sont traités les crochets du récit par Rome, pour rendre visite à Jules, et l’opposition frontale entre celui-ci et les gaulois dans Le Domaine des dieux, confère en prime au film un côté épique : la rébellion contre l’empire, la peur de tout perdre et d’être rayés de la carte avant un sauvetage in extremis et un dénouement en feu d’artifice… Clichy et Astier tirent adroitement ce fil-là dans le dernier acte, qui offre à leur beau dessin animé une très belle conclusion.

Où ?

Au Festival de Cannes

Quand ?

En mai (le film sort en salles le 12 novembre)

Avec qui ?

Seul

Et alors ?

…mon avis est à lire ici :

http://www.accreds.fr/2014/05/21/respire-le-cote-obscur-de-la-vie-et-de-lamour-dadele.html

Où ?

Au festival de San Sebastian, où il était présenté en clôture, hors compétition

Quand ?

Fin septembre (le film sort le 15 octobre en salles)

Avec qui ?

Seul

Et alors ?

… mon avis est à lire ici :

http://www.accreds.fr/2014/09/29/une-samba-sur-un-air-de-platane-et-de-tour-montparnasse-infernale.html

Où ?

Au ciné-cité les Halles

Quand ?

Mardi soir, à 22h

Avec qui ?

Seul

Et alors ?

Il y a une éternité (du temps du Minitel), Luc Besson faisait des films bons, originaux et qui cartonnaient au box-office – Nikita, Léon, Le cinquième élément. Puis il a pris la grosse tête, a voulu jouer au cinéaste d’art et essai, et s’est ramassé avec deux films « d’auteur » embarrassants, Jeanne d’Arc et Angel-A. Vexé, Besson est parti bouder dans sa chambre, comme le petit garçon qu’il n’a jamais cessé d’être. Il a délaissé toute ambition artistique pour s’orienter exclusivement vers le business : les studios de la Cité du cinéma, la machine à produits dérivés Arthur et les Minimoys, la production de grosses bouses bien rentables via sa société EuropaCorp. Le succès monstrueux d’une d’entre elles, Taken, a pris tout le monde par surprise, Besson y compris, et a changé la donne : soudain le marché américain s’offrait de lui-même, sans aucun effort à fournir pour en forcer la porte. Alors Besson est revenu à la réalisation, mais selon une pure logique d’entrepreneur. The lady, Malavita, et aujourd’hui Lucy sont des projets capitalistiques à visée internationale, qui se donnent l’assurance de fonctionner partout (comme le Coca-Cola) en s’étant dégagés de toute spécificité ou exigence de qualité : pitch simplissime, plagiat d’idées à tout-va, écriture et mise en scène d’une totale désinvolture. Dorénavant Luc Besson fait des films mauvais, photocopiés et qui cartonnent au box-office.

Il faut au moins lui reconnaître cette valeur : Besson est peut-être le seul aujourd’hui à pouvoir tenir tête à l’hydre Disney-Marvel-Pixar sur le terrain du divertissement de masse à succès. Lucy remplit les salles, aux USA autant qu’en France, sans s’appuyer sur des licences préexistantes et avec une puissance de feu commerciale bien plus réduite. Pour cela, bravo, mais pour cela uniquement. Car les moyens employés pour accomplir cette prouesse sont d’une bassesse absolue, affligeante. Certes, Lucy se situe très légèrement au-dessus du zéro absolu atteint par l’entreprise Besson qu’est Taken. Il est moins long, plus diversifié dans ses centres d’intérêt, et accueille plus de talent (Scarlett Johansson réussit à ne pas être emportée par le fond). Cela le rend moins nul, mais plus frustrant, avec la même cause pour les deux phénomènes : c’est un film plus personnel pour Besson. Il y a mis plus de lui-même – à vrai dire il y a mis tout lui-même, 100% de ses personnalités. La surcharge et les contradictions que cela provoque sont fatales à Lucy. Besson a 100% de contrôle sur son film, tout en ayant atteint le stade où il n’en a absolument plus rien à f…aire de rendre une copie pleine de ratures et de taches de gras. Plus personne n’est en position de lui faire la moindre remarque sur des choses aussi consternantes que les inserts d’extraits de documentaires animaliers, la conférence donnée par le personnage de Morgan Freeman, ou la scène où Lucy « révèle » à d’éminents scientifiques le « vrai » sens de la vie, débitant des platitudes tout droit sorties d’une dissertation de lycéen exalté mais peu inspiré.

Chaque illumination de Lucy (une bonne idée, une scène réussie) est presque immédiatement gâchée, disloquée, laissée à l’état de promesse sabotée. Les quelques fois où Johansson est laissée seule à l’écran forment l’essentiel de ces beaux moments ; et la quête solitaire qui est la sienne est ce vers quoi le scénario aurait naturellement dû tendre. Mais Besson est incapable de s’effacer derrière son héroïne, il est à la fois trop calculateur et trop égocentrique pour cela. Calculateur comme le producteur accro par le gain qu’il est devenu, qui greffe au film des scènes d’action EuropaCorp, vues et revues et toujours aussi médiocres (courses de voitures dans Paris, arts martiaux) ; des motifs pompés partout, facilement recopiables et identifiables (Old boy, Matrix, Akira, 2001 tant qu’à faire) ; et le recours à la vengeance comme moteur narratif, rance et ici tout à fait inepte. Égocentrique, Besson l’a toujours été, et dans Lucy comme dans ses autres films on lit en lui comme dans un livre ouvert. On découvre un esprit ne jurant que la technologie et la quantité, et délaissant complètement l’immatériel et le qualitatif. Ce qui compte, c’est d’atteindre à tout prix les 100%, niveau auquel l’homme égalera enfin… l’ordinateur. Et tout en poursuivant ce but exclusif, Besson trouve le moyen de nous affirmer sérieusement, et d’un air critique, que le monde va mal parce que nous sommes obnubilés par « le pouvoir et l’argent ». C’est d’un cynisme insupportable, ou d’un aveuglement confondant – ou peut-être bien les deux à la fois.

Où ?

Au ciné-cité les Halles

Quand ?

Lundi soir, à 22h30

Avec qui ?

Seul

Et alors ?

…mon avis est à lire ici :

http://www.accreds.fr/2014/02/19/la-belle-et-la-bete-regne-en-maitre-sur-le-nanar.html